A beleza desses objetos está na textura do som e na elegância do código.
Durante séculos, os músicos flertaram com a tecnologia, expandindo os limites da arte - do theremin aos experimentos com o filme de meados do século passado. Apesar desses hobbies, as tentativas de gerar música usando código de software conquistaram um nicho muito pequeno para si mesmas. Nos últimos 70 anos, os poucos que se aventuraram nisso se encontraram na interseção do diagrama de Venn entre programadores e músicos de vanguarda.
Os resultados desses trabalhos são diferentes de tudo que você já ouviu - e alguns dos esforços mais ambiciosos são cruzar áudio analógico e digital juntos.
Conversei com pessoas que usam código para criar música de todos os tipos, desde amostras simples até transmissões de rádio geradas ao vivo por algoritmos e até a promoção das qualidades marxistas do software de código aberto. Apesar de usar técnicas tecnologicamente sofisticadas e mergulhar nas profundezas da álgebra, todos procuram algo simples: uma caixa de areia criativa, não limitada pelas convenções de tempo e teoria.
“A forma de pensar sugerida pelo programa”
Composição do novo álbum de Karl Stone " Stolen Car "
Karl Stone vem mexendo com samples desde 1973 (no ambiente de manipuladores de som, o verbo “mangle”, que significa “distorcer”, é usado para denotar essas manipulações). Ele os retira da música comercial, os separa e os cola de uma maneira sem sentido. Os resultados podem ser semelhantes a qualquer coisa, desde uma música popular tocada de trás para a frente até filmagem automática com sons de voz humana. Então eu (tendo ouvido em fevereiro de 2020 uma transmissão que parecia um ataque de som, do qual pessoas mais velhas taparam os ouvidos) não fiquei surpreso que ele use exclusivamente Max - uma linguagem de programação amada por muitos para gerar música e multimídia. Este é um espaço de trabalho visual em que equipes musicaisdenotado por blocos modulares mantidos juntos por conexões virtuais. O design livre do programa permite que você conduza qualquer experimento.
“Cada sessão de programação começa do zero”, diz Stone. “Não é como todos os outros softwares comerciais que possuem premissas e otimizações integradas. O programa Ableton Live, que respeito, por exemplo, limita o pensamento do usuário por sua própria estrutura. "
Sem esses quadros de orientação, as composições de Stone são completamente surreais. Ele compara suas obras, coletadas em amostras, com anagramas: "Eles têm uma semelhança com o significado semântico, mas estranho."
Stone, 67, que nasceu em Los Angeles e se formou na CalArts, tem pouca experiência em programação e escreve música para computadores desde 1986. Ele trabalhou com programas de música algorítmica dos anos 80 como Jam Factory e o influente programa Music Mouse de Laurie Spiegel. Ele descreve os computadores na década de 1980 como "portáteis" e viajou por muitos anos com o Macintosh SE / 30.
Karl Stone se apresentando ao vivo com um Apple Macintosh SE / 30 no início dos anos 1990.
Exemplo típico do espaço de trabalho de Max Stone.
Não copie esse disquete?
* "Do not copy this floppy disk" - uma referência a um conhecido anúncio dirigido contra a cópia pirateada de software / aprox. trad.
Stone descobriu Max (em homenagem ao pioneiro da música computadorizada Max Matthews ) em 1989, enquanto vivia em uma residência artística no Japão, quando um amigo compartilhou uma cópia pirata de um disquete com ele. Naquela época, Max só podia enviar informações em formato MIDI e não podia processar sinais. Stone começou a se apresentar com ele, freqüentemente com videoartistas, dançarinos e músicos japoneses.
Ele supervisionou a transformação do programa por muitos anos: mais tarde, incluiu processamento de sinal e processamento de fluxo de vídeo. O programa foi dividido entre várias corporações, e Stone se tornou um beta tester formal em vários estágios de seu desenvolvimento. Eventualmente, um dos desenvolvedores do programa fundou o Cycling '74 para vendê-lo. Uma empresa terceirizada usou Max como protótipo para criar o programa de música extremamente popular Ableton Live . Como resultado, os dois programas se fundiram, e o Ableton absorveu completamente o Cycling '74.
Stone resistiu previsivelmente às restrições lineares forçadas de Ableton, e seu trabalho recente soa mais radical do que trabalhos de 30 anos atrás (uma de suas novas composições é muito semelhante ao subgênero eletrônico vaporwave, embora ele mesmo afirme que não ouviu nada sobre ele). Ele se apresenta com um iPad, laptop e um chapéu de feltro na cabeça. Ele usa o protocolo OSC (Open Sound Control) para enviar dados de controle para os patches máximos. Desde 2001, ele vive no Japão permanentemente e leciona na Chukyo University, mas passou a quarentena em Los Angeles ensinando estudantes japoneses por meio do Zoom às 2h no horário local.
Seu álbum mais recente "Stolen Car" (anagrama de seu nome Carl Stone) foi lançado em 25 de setembro.
"Código é música"
Enquanto Stone está trabalhando em um produto de programação visual comercial, os amantes da música do programa em Berlim, Oslo e Estocolmo mudaram para uma linguagem de texto de código aberto. Um dos centros dessa arte é o rótulo XKedral Stockholm . A cofundadora Maria Horn, o colaborador Daniel Carlson e o músico David Granström me ligaram por meio de um link de vídeo às 4h (meu horário) de seu estúdio. Eles exibiram seu antigo órgão de black metal e uma vista de Mälaren, o terceiro maior lago de água doce da Suécia.
Patch feito por Maria Horn com SuperCollider
Todos os três criam um gênero de drone eletroacústico que lembra músicos experimentais e bandas como Tim Hecker , Sunn O)))e Taylor Dupree . Ouso descrever esta música como o acompanhamento perfeito para se perder na tundra sueca. Eles usam a linguagem SuperCollider , lançada em 1996, e desde 2002 vem se desenvolvendo ativamente como um projeto de código aberto. Eles tocam com controladores MIDI, embora Granström tenha passado pela fase purista de "código é música" quando ele apenas parou ao lado de seu laptop e executou seu patch.
Quando eles começaram a programar no Royal College of Music em Estocolmo, Horn e Carlson acharam a linguagem extremamente difícil - até que começaram a usar "padrões", um dos cinco paradigmas do SuperCollider. Eles funcionam por meio de frases declarativas sem estado, permitindo uma criação mais rápida e natural. Granström também usa padrões, mas como todos no grupo o chamam de gênio, ele dominou facilmente essa linguagem.
“Fiquei realmente impressionado com o fato de o SuperCollider ser gratuito”, disse Horn. - Se você está começando na programação musical, comprar um programa como o Max será um passo muito sério para você. E gostei do fato de já haver uma comunidade em torno do programa onde vocês podem aprender uns com os outros. " Ao discutir este tópico, Carlson explica o que a dupla entende por "livre" - "código aberto, liberdade legal, de acordo com os preceitos de Stallman". E quando Horn descreve a natureza disruptiva do software de código aberto, Carlson acrescenta: “Quero que todos tenham acesso a tudo. Eu quero que todos tenham liberdade de expressão. Eu sou um marxista. "
Horn interrompe a discussão com uma única palavra - "culto" - enquanto Carlson começa a desenvolver o tema de suas aspirações equalizadoras do código aberto na arte com força total. O projeto recente de Horn, Kontrapoetik , usa referências experimentais de justiça social aos movimentos trabalhistas da Suécia, julgamentos de bruxas e interpretações feministas do satanismo. Você pode ouvir os projetos da trindade seguindo os links ( link , link , link ).
24 horas de caos
Composição do FieldsOS de William Fields
Ao contrário dos músicos acima mencionados, William Fields da Filadélfia nunca tocou um instrumento "real" (os suecos tocaram em uma banda de metal e a banda de ruído de Stone reuniu-se recentemente para comemorar seu 55º aniversário). Fields fez seu próprio instrumento.
Fields, 42, sempre foi apaixonado por computadores. Tudo começou com seu primeiro Commodore 64 e continua com sua carreira em TI. Nos anos 90, ele usou DAWs (estações de trabalho de áudio digital - algo como Ableton), desenhando meticulosamente todas as notas à mão. Quando todo o seu tempo livre passou a ser destinado aos filhos que apareciam na família, ele começou a improvisar. Primeiro, ele modulou performances ao vivo de amigos, adicionando efeitos de áudio adicionais. Aos poucos, foi desenvolvendo cada vez mais efeitos, até que fez seu próprio sistema de atuação, que ainda não tornara público.
Seu sistema roda em um laptop usando REAPER e JSFX para gerar som. Tudo é controlado a partir do iPad por meio de uma interface especialmente desenvolvida com o aplicativo Lemur. Ele chama seu sistema de FieldsOS e diz que, com uma interface projetada por ele mesmo, "você pode desenvolver a memória muscular e tocar seu próprio instrumento muito bem".
A interface do próprio FieldsOS no iPad do Fields
O mais interessante começou quando ele fez um botão que randomizava todos os parâmetros. “A randomização me ajuda a explorar o espaço da oportunidade musical e a encontrar nele lugares interessantes que eu não encontraria de outra forma”, diz Fields. "Caso contrário, eu estaria fazendo ritmos 4/4 com bateria nos compassos 2 e 4 assim."
Ele começou a ajustar as propriedades de aleatoriedade para que o som não fosse completamente terrível e, eventualmente, surgiu com botões, que ele chama de "gênero". “Primeiro fiz um botão de techno. Limitou certas coisas - por exemplo, garantiu um bombo de 4/4. "
Ele logo começou a adicionar automação de processos com JavaScript. O FieldsOS se limitou pressionando o botão de reinicialização a cada 30 segundos. “Era como uma máquina caça-níqueis”, diz ele. Ele anunciou seu conceito para uma rádio experimental britânica, a Resonance Extra. Ele recebeu um intervalo de uma hora e dedicou cada hora de seu programa a um botão de novo gênero, codificando-os uma vez por semana e transmitindo-os sem qualquer edição. Entre os gêneros estavam Footwork, Wonky e UK Garage, assim como seus próprios gêneros inventados como "techno browniano", em que a composição gradualmente se desintegra, e "breeding music", em que as canções "tocam" umas com as outras. Eventualmente, ele começou a sentir falta de gêneros e lançou um arquivo de 24 horas como um álbum no site do Bandcamp.e acabou com isso. O brilho futurístico do enorme álbum de US $ 24 soa como se estivesse acelerando, rumo ao infinito.
Fields está procurando um desenvolvedor de aplicativos móveis para transformar o FieldsOS em um produto comercial. Seu novo álbum "Traction" foi lançado em 4 de setembro.
"Incorporando loops em loops"
Demonstração do TidalCycles da transmissão recente de Alex McLean.
Falei com três pessoas do movimento de codificação ao vivo ao mesmo tempo - o criador da comunidade Alex McLean e entusiastas de gênero, Daniel Raeger (apelido {incendiário}) e Mike Hodnik (apelido Kindohm) - eles insistiram que suas histórias estão intimamente ligadas. Eles usam o ambiente de desktop TidalCycles para codificação de música ao vivo. É uma biblioteca para a linguagem Haskell com sua própria DSL (Digital Simulation Language) conhecida como Tidal Mini-Language (sim, TidalCycles era simplesmente chamado de "Tidal" antes do serviço de streaming de Jay-Z).
Na verdade, é um sintetizador complexo - não tem um sistema de saída de sinal como o Max, mas os artistas o juntam com o SuperCollider e muitos outros instrumentos. Todos com quem conversei falaram sobre sua capacidade de produzir trilhas sonoras complexas com base em apenas algumas linhas de código. Raeger gosta da abordagem algébrica do programa para música e da capacidade de escrever partes de bateria usando algoritmos de divisão de resto.
O inventor do TidalCycles, Alex McLean, começou a programar ao vivo em 2002 usando Perl, mas não gostou dos tempos de atraso do computador. Ele se inspirou no sistema de gravação de tabla do Bol Processor e criou um ambiente que submerge o usuário em um "loop de feedback" de sua própria música.
“É tudo sobre ciclismo, estruturas métricas e polirritmos, é por isso que o sistema é chamado de TidalCycles - é tudo sobre embutir loops em loops e transformá-los”, diz McLean. "Trata-se de apresentar a música como comportamento em vez de notação" McLean adora padrões como conceito. No trabalho, ele explora as estruturas das práticas têxteis da Grécia antiga. Ele incorporou a programação a este processo criando um tear eletromecânico .
Ele lançou TidalCycles em 2009. Ele tem um público ativo, começando a dar festas dançantes, que ele e seu amigo Nick Collins (um dos autores do livro sobre SuperCollider) chamam de "Algoraves".
Ferramentas reveladoras
SWGbbo Algorave, um algorave virtual de 16 bits, realizado em 26 de junho de 2020
- 10-13 Algoraves acontecem em oficinas, teatros antigos, outros locais, bem como em clubes comuns. O evento pode receber de 20 a 150 pessoas - geralmente são geeks que se tornaram músicos ou músicos que se tornaram geeks. Os artistas costumam exibir imagens de laptops em uma tela grande para que os participantes possam ver o que estão fazendo. “Liberar suas ferramentas é uma marca registrada desta comunidade”, diz Raeger. "O oposto de muitas pessoas nas artes que tentam manter seu processo criativo em segredo."
Alguns músicos, em particular cerca de metade dos que entrevistei, programam os visuais.para seus conjuntos. Há um debate na comunidade se vale a pena iniciar um programa a partir de uma tela preta ou imediatamente a partir de modelos pré-preparados. Raeger e Hodnik usam modelos, enquanto McLean começa do nada.
O movimento se adaptou bem ao mundo moderno com streaming ao vivo. “A tendência para compartilhar sua tela vai bem com streaming”, diz Hodnik. As festas costumam acontecer em clubes virtuais, que podem ser acessados usando óculos de realidade virtual ou abrindo uma página em um navegador. Seu avatar pode dançar ao som da codificação ao vivo na tela do clube virtual (geralmente transmitido pelo Twitch). Você pode acompanhar o pôster do Algorave no Twitter Algorave ”e no TOPLAP . Os
últimos álbuns de Raeger ,Hodnik e McLean podem ser encontrados nos links.
Uma afirmação fora da música
Se você acha que essa música não é muito diferente do que é feito com toca-discos ou programas convencionais, provavelmente você está certo. A afirmação do artista não envolve necessariamente a composição em si - pode ser um chamado para programar sua própria música ou instrumento.
“Programar música não é tentar expressar o que está na minha cabeça”, diz McLean. “Não é sobre IA. Não se trata de fazer o computador criar. E não que o computador o ajude a se expressar. O objetivo é implementar ideias, colocá-las juntas e ver o que acontece. Usando o código como material criativo. Mas o resultado pode surpreendê-lo. "